domingo, 30 de octubre de 2011

Claypot Curry Killers: canibalismo desde Malasia



El primer avance de la película de James Lee, Claypot Curry Killers, acaba de ser publicado, a pesar de que la película aún no ha obtenido el visto bueno de la censura malasia, por sus altas dosis de violencia gráfica. La película, que comenzará su andadura por festivales próximamente, será un pequeño cuento de justicia perversa y canibalismo.

La señora Chew y sus tres hijas regentan un popular restaurante con el curry como elemento indispensable. Ellas tienen un único y peculiar punto de vista de como los hombres que cometen malas acciones tienen que ser castigados... y es siendo comidos.

martes, 25 de octubre de 2011

Wilson Yip se vuelve mágico con Magic to Win



El estupendo director Wilson Yip, tras su díptico sobre Ip Man y el remake de Una historia china de fantasmas cambia de registro y se pasa a la comedia familiar con Magic to Win, una historia de magos con poderes. El reparto incluye nombres como los de Louis Koo, Wu Jing, Raymond Wong, Wu Chun Karena Ng y Yan Ni.

El estreno está previsto para diciembre en Hong Kong y China continental.

sábado, 22 de octubre de 2011

Trailer de The Flowers of War



La nueva película de Zhang Yimou, The Flowers of War (金陵十三钗), la superproducción más cara del cine chino, ha sido elegida para representar al país en los Oscar. El estreno está previsto para el próximo 16 de diciembre y ahora acaba de ver la luz su primer trailer.

Situada en 1937 y como telón de fondo la masacre de Nankín, la peculiaridad de la cinta es el protagonismo de Christian Bale, que da vida al sacerdote John Magee, un cura que intenta proteger junto con unas prostitutas, a unas estudiantes universitarias para que no sean esclavizadas y violadas por el ejército japonés.

Los principales handicaps de la película serán, previsiblemente, el fresco recuerdo de la magistral Ciudad de vida y muerte de Lu Chuan, aún con sus previsibles diferencias, y el rumbo al que sea llevado la producción. De todas maneras, confiemos en Zhang Yimou, y esperemos poder verla por aquí algún día.


martes, 18 de octubre de 2011

El cine asiático que se podrá ver en la Seminci 2011

Acabamos de finalizar nuestra cobertura al Festival de Cine Fantástico de Sitges, pero los festivales no se acaban, entre los meses de septiembre a diciembre la cantidad de ellos en nuestro país es enorme, así que aquí os dejamos la representación asiática del primero de ellos.



El primero en llegar será la Seminci de Valladolid, del 22 al 29 de este mes, con 4 películas asiáticas.

Sección Oficial:

BOKER TOV, ADON FIDELMAN de Joseph Madmony (Israel)
CIRCUMSTANCE de Maryam Keshavarz (Irán-Estados Unidos-Libano-Francia)
UNDER THE HAWTHORNE TREE de Zhang Yimou (China)

Punto de encuentro:

I AM de Onir (India)

domingo, 16 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 10



Pues se acabó la 44 edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges, una edición con un gran cartel y que nos ha dejado algunas joyitas, y un palmarés polémico, como suele suceder en casi cada edición. En cuanto a palmarés el cine asiático ha conseguido algunos premios que detallamos a continuación y tras ellos la última crónica de esta edición:

Oficial Fantàstic Competición:

Mejor director: Na Hong-jin por The Yellow Sea

Oficial Fantàstic Competición Òrbita:

Mejor película: Guilty of Romance, de Sion Sono

Noves Visions:

Night Fishing, de PARKing CHANce (Park Chan-wook y Park Chan-kyong)
Diploma Película Discovery: Invasion of Alien Bikini, de Oh Young-doo
Mención Especial: Underwater Love, de Shinji Imaoka

Casa Asia:

Mejor Película: The Unjust, de Ryoo Seung-wan

Anima't – Premio Gertie

Mejor Largometraje de Animación: Tatsumi, de Eric Khoo
Diploma al Mejor Largometraje Sitges Family: Leafie, de Oh Sung-yoon



THE THING: ¿Qué tendrán las películas de Carpenter que siempre se prestan a excelsos remakes o a jugosas secuelas? Jean-François Richet ya demostró que era posible actualizar Asalto a la comisaría del distrito 13 sin perder un gramo de tensión. Ahora, los creadores de Amanecer de los muertos vuelven a la carga con una precuela de La cosa que nos devolverá a los confines del mundo para congelarnos de pavor. La paleontóloga Kate Lloyd llega a la Antártida para sumarse a una expedición que está a punto de hacer el descubrimiento del siglo. Algo lleva cien mil años enterrado en el hielo. Algo que parece muerto, pero que está dispuesto a despertar del letargo.

La película clausura del Festival de Sitges 2011 fue la precuela de La cosa, una de las grandes obras de John Carpenter, que a casi 30 años de su estreno conserva todos sus rasgos identificativos y su excepcional puesta en escena. En este caso Universal ha decidido ir un paso más allá y en lugar de realizar un remake propiamente dicho se decanta por un híbrido de precuela y remake, situando la acción unos días antes que en la de Carpenter. Este nuevo punto de vista, que si la película tiene éxito hará que veamos la formula hasta en la sopa, nos depara una entretenida e interesante película, que no pasa de ser eso, siendo su mejor y su peor baza. A años luz de la de Carpenter, La cosa (The Thing) versión 2011 nos da sus mejores momentos en las escenas que enlazan con la precedente o en aislados momentos de tensión. El resto es simplemente una adaptación más pensada para los nuevos públicos ávidos de ver al monstruo en acción en vez de mostrarlo solo a cuentagotas o en los momentos precisos.



DRIVE: En 2009, en los pasillos del hotel Meliá, se podía oír un nombre, el de Nicolas Winding Refn, que con dos películas en liza presentaba su candidatura a director de culto, a dinamizador del cine de género contemporáneo. Llegó el 2011 y Winding Refn demostró que tanta promesa no era en vano. Con un Ryan Gosling erigido en héroe parco en palabras y en gestos, Drive mira por el retrovisor hacia el cine de finales de los setenta, de coches, persecuciones, acción y emoción. Con una marcada estética retro, Drive homenajea al pasado, al Driver de Walter Hill; mientras, Winding Refn apuntala el cine del futuro.

Para el que esto suscribe hoy hemos visto la película del festival, una autentica muestra de cine en estado puro protagonizada por el gran Ryan Gosling, un actor que sigue demostrando la calidad que lleva dentro dando vida a este conductor, con el que no puedes sino llegar a empatizar a pesar de todo lo que acaba sucediendo. Desde sus escenas iniciales, el prólogo en el que el conductor recoge a los dos delincuentes y esos créditos fantásticos, la película te atrapa y no te deja salir. Para mi personalmente además esa estética ochentera, tanto en estilo como en banda sonora e incluso créditos me parece tan extraordinaria que no podría concebir la película sin ella. Mención especial merecen varios momentos demoledores y fantásticos como la escena en el ascensor, sublime, el tiroteo en el motel o la escena de la playa que elevan la labor de Nicolas Winding Refn a lo más alto.



KILLER JOE: Una de las películas que más entusiasmo generó en la Mostra de Venecia. Killer Joe: el regreso, sonoro como una ráfaga de ametralladora, de William Friedkin, uno de los imprescindibles del cine norteamericano de los años setenta y ochenta. El director de El exorcista, una de las mejores películas de terror de la historia, sigue en plena forma, como ya demostró en Bug (Sitges’07), y nos trae una violentísima tragicomedia negra, un desbocado film noir que no deja muy bien parado al género humano.

La sesión sorpresa había sido objeto de muchas especulaciones y al final la elegida fue Killer Joe, de William Friedkin. En esta ocasión nos lleva a Texas donde nos encontraremos una historia con tintes surrealistas con un policía asesino contratado por un hijo y su padre para matar a su ex-mujer y cobrar el seguro. Pero como suele pasar en estos asuntos las cosas no surgirán como se tenía planeado en un principio y la situación se irá complicando a marchas forzadas. Con un Matthew McConaughey correcto, pero saturado de botox, ya que su papel de por si es un tipo duro de pocos matices, Killer Joe se empapa de cierto sabor noventero en el tratamiento y la estética de las historia ambientadas en esa Norteamérica sureña que los propios estadounidense se empeñan en mostrar como llena de paletos y psicópatas, circunstancia que a la oficina de turismo de Texas no debe hacer mucha gracia.Repleta de humor negro, la película nos acaba llevando a un final violento, vibrante y desconcertante que bien vale la entrada.



THE ARTIST: Hollywood, 1927. George Valentin es un actor de éxito, un seductor, una estrella que difícilmente podrá ser eclipsada. Al menos, mientras no tenga que hablar. Las cosas se complican para George cuando el sonoro irrumpe en escena y la industria cierre la puerta en las narices de los caballeros que, silentes, acudían al rescate de la dama en el último segundo. Nuestro héroe deberá enfrentarse al sonido en esta deliciosa y desternillante comedia en blanco y negro, que emula los tiempos del cine mudo y que cuenta con una estrella inesperada: el acrobático perrito que acompaña al protagonista.

Espectacular, maravillosa, especial, bella, no hay palabras suficientes para describir esa hermosa propuesta que nos llega desde el país vecino. Dirigida por el francés Michel Hazanavicius, que tras una carrera de lo mas discutible con las dos partes de la comedia OSS (con el mismo protagonista de The Artist, Jean Dujardin), sorprende al mundo entero con este grandioso homenaje al cine mudo de Hollywood de principios del siglo pasado. Un referente como Rodolfo Valentino, de ahí el nombre del protagonista, George Valentin, da forma a dicho homenaje, con secuencias divertidas, algunas emotivas y con una radiografía precisa de una de las épocas doradas de Hollywood. Me gustaría destacar a sus dos protagonistas, un perfecto Jean Dujardin y una bellísima Bérénice Bejo. Ha sido la ovación más importante que hemos oido este año en el festival, y todos estos aplausos son mas que merecidos. Deliciosa.

THE DAY HE ARRIVES: Como suele pasar en las películas de Hong Sang-soo, todo comienza con un viaje y un encuentro. Seongjun llega a Buckhon, Seúl, para ver a un amigo que no aparece a la cita. Deambulando por el barrio, Seongjun topa con una amiga de juventud, con unos estudiantes de cine y, finalmente, con su amigo. Día a día, repite situaciones parecidas: encuentros alrededor de una mesa, con muchas botellas de alcohol y con la sombra de un amor pasado acechando al protagonista. Convertido en el cineasta contemporáneo que mejor disecciona las relaciones, Hong Sang-soo regresa con una comedia de elegante blanco y negro y humor sutil e inteligente.



En el pasado Festival de Cine de Autor de Barcelona habíamos visto Oki´s Movie, de Hong Sang-soo y personalmente me pareció una buena película, a excepción de esa manía de filmar con zoom arriba y zoom abajo que da la sensación de que no sabe encuadrar o que no se decide. Pero con The Day He Arrives me tengo que rendir, una película obsesiva, aburrida, repetitiva, que a pesar de su corta duración, 79 minutos se hace eterna, y es que tal y como está rodada y narrada no debería haber dado para más de 30 minutos, siendo generosos. Para hacer una película hace falta más que rodar lo mismo una y otra vez y cambiar un par de diálogos, hay que darle vida y sustancia, que si no sale lo que sale. Eso sí, la gente que pasara fuera del cine pensaría que estaban poniendo Aterriza como puedas por la cantidad de carcajadas que sonaban. O quizás es que somos nosotros los raros, ¿quién sabe?.



LIVIDE: En su primer día como cuidadora, Lucie visita a la Sra. Jessel, una anciana profesora de danza que, en estado de coma cerebral, se halla postrada en la cama y sola en su inmenso caserón. Al descubrir que esta quizás escondiese un tesoro en algún rincón de la casa, Lucie y sus amigos Ben y Wilson deciden explorarla con la esperanza de hallar el botín. Pero no tardarán en comprobar que los recovecos de la mansión están plagados de sorpresas no demasiado agradables. El esperado retorno de los firmantes de À l'intérieur es un filme entre la fantasía y el horror de ribetes vampíricos, cuyo aparente clasicismo es violentado por su ya inconfundible estilo.

La segunda película de la dupla Alexandre Bustillo y Julien Maury, tras la notable A l’intérieur, era una de las cintas mas esperadas del festival, sobre todo por los fans de su ópera prima. La película no decepciona, pero no llega al nivel de su predecesora. Con una primera parte más de suspense, en el que se nos presentan los personajes principales y la casa donde paran todos los futuros acontecimientos es muy acertada, con momentos visualmente fascinantes y un diseño de personajes “malos” de los más aterradores. Eso si, quizás a este primer trozo le falta un poquito de garra. Ya en su segunda parte es donde los directores sacan toda su parte mas terrorífica, con escenas trepidantes y algunas de lo mas escalofriantes. Quizás no me convencen demasiado los flashbacks para conocer a los personajes que habitan la casa, ya que creo que cuanto menos se sabe de ellos, más terroríficos son. En definitiva, una película muy valida, pero que deja un sabor de que podría haber sido mucho mas.

Bueno, y con esto terminamos las crónicas del Festival de Sitges, que por segundo año consecutivo hemos cubierto enteramente entre los dos miembros del blog. Nos quedamos con un buen puñado de películas, algunas estupendas, otras no tanto, con el reencuentro con amigos del festival, y sobre todo, con las vivencias compartidas con los nuevos amigos, David, Sandra, Xavi y Josep, con los que esperamos seguir compartiendo nuevas experiencias cinéfilas tanto en el ciberespacio como en persona. Y el año que viene más Sitges, por supuesto.

viernes, 14 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 9

Penúltimo día de festival, pero hoy a sido especial ya que hemos podido ver las dos películas latinas que nos faltaban, la cubana Juan de los muertos y la colombiana El páramo. A parte hemos ido a sus respectivas ruedas de prensa y hemos podido entrevistar al director colombiano, así que un día sin demasiadas películas pero con mucho movimiento. Aquí va la crónica:



JUAN DE LOS MUERTOS: Mientras La Habana se llena de zombies sedientos de carne humana, los medios oficiales comunican que los disturbios son causados por disidentes pagados por los Estados Unidos. El pánico se apodera de todos hasta que Juan llega al rescate: descubre que puede matar a los muertos vivientes destruyendo su cerebro, y decide montar un pequeño negocio bajo el slogan ‘matamos a sus seres queridos’. Enfrentándose a los muertos vivientes, Juan logrará ganar algún dinerillo. El cine de zombies se traslada a un escenario aún por conquistar, La Habana, en una comedia de terror con crítica social, tan desternillante como sangrienta.

Tiene el honor de ser la primera película cubana de zombies, pero lo bueno de la propuesta es que no se queda con el terror puro, si no que le da prioridad al humor, un humor que engancha y que te da momentos muy buenos, algunos de ellos incluso con crítica social. Me gustaría destacar a Juan, su protagonista, interpretado fantásticamente por Alexis Díaz de Villegas y al carismático Jorge Molina, el mismo que como director hace unas películas bastante “underground” como Molina’s Mofo o Molina’s Ferozz. Llena de momentos para recordar, con frases fantásticas y unos personajes super carismáticos, Juan de los muertos es sin duda una de las comedias del festival.



EL PÁRAMO: ¿Cinta bélica o paradigma del terror? Lo que empieza como The Steel Helmet de Samuel Fuller termina por parecerse a [·Rec]. Un comando especial llega a una base militar abandonada. Cuando uno de los hombres resulte herido, los demás se verán obligados a permanecer en ese espacio siniestro, lleno de inscripciones para protegerse del diablo y asolado por una misteriosa presencia. Los soldados no tardarán en dudar de todo, incluso de sus compañeros y de ellos mismos. Con una cámara que se pega a los personajes y una exquisita fotografía grisácea y neblinosa, El páramo se erige en el filme de horror bélico definitivo.

Ópera prima del director caleño Jaime Osorio Márquez. El páramo es una película de terror, pero no de terror físico si no más bien psicológico. Nos encontramos antes unos soldados que luchan contra un enemigo, pero un enemigo que no se esperan, ellos mismos. Rodada con mucho talento, Osorio pega su cámara a los personajes para conseguir una sensación de falta de espacio, no solo físico sino espacial. La cinta es un continuo increscendo, desde que llegan a la base militar abandonada, hasta que finaliza la película. Vemos como poco a poco los personajes van llegando a su límite y todo sin buscar efectismos visuales, solo tensión pura y dura.



Después de los dos pases he podido asistir a las dos ruedas de prensa, la de Juan de los muertos donde estaban el director Alejandro Brugués, el productor de la parte española Gervasio Iglesias y los actores Alexis Díaz de Villegas, Andrea Duro, Jazz Vila y Antonio Dechent. Por parte de El páramo ha aparecido en rueda de prensa su director Jaime Osorio Márquez. Y al finalizar todo esto hemos podido hacer una entrevista personal a Jaime Osorio. En los próximos días os pondremos tanto las ruedas de prensa como la entrevista.

Y mañana se acaba el festival, buen se acaba el domingo con las maratones pero para nuestras crónicas finaliza mañana. Y que mejor manera de despedirse que con el remake de La cosa, Drive, The Artist, Livide, la sesión sopresa Killer Joe, The Day he Arrives y una maratón con Emergo, El callejón y Monster Brawl. La última crónica la pondremos el domingo.

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 8

Día 8, solo quedan 2, esto se acaba y por suerte las últimas películas que estamos visionando están salvando el mediocre nivel de los últimos días. Hoy tocaban pesos pesados como Kevin Smith, Coppola y el dúo de Persépolis. Empezemos:



RED STATE: Las hormonas pueden ser muy traicioneras. Y si no que se lo digan a los adolescentes que, atraídos por un anuncio que promete sexo en grupo con una mujer madura, caen en la trampa de un grupo de fanáticos religiosos dispuestos a erradicar con métodos extremos la libido de la juventud norteamericana. Con Red State, Kevin Smith se adentra en el horror más virulento y real y suelta bilis contra los conservadurismos de todo tipo. Para ello cuenta con un reparto encabezado por la recientemente oscarizada Melissa Leo, el gran John Goodman y Michael Parks, uno de los actores predilectos de Quentin Tarantino (quien, por cierto, ya ha declarado su admiración por esta película).

Cambio de registro en el cine de Kevin Smith, tras muchos años haciendo comedias y con la formula ya caducada, el director de Clerks se reinventa. Aunque hay algunas escenas en toda la parte del principio y un poco al final de todo donde se sigue viendo su estilo dialéctico inconfundible, Red State es mas una película sobre el extremismo religioso y la corrupción policial. Aunque la película sufre de varios altibajos, la película queda finalmente como un interesante giro en la carrera de Smith. A destacar un final (más bien una escena con mensaje incluido) absolutamente magistral.



TWIXT: Un escritor, con una carrera en franco declive, llega a un pequeño pueblo como parte de una firma de libros y se ve en vuelto en el misterioso asesinato de una joven. Esa noche, en sueños, el fantasma de la joven, llamado V., contacta con escritor reclamando su ayuda. Él no está seguro de su conexión con el asesinato, pero se sumerge agradecido en la historia que se presenta delante tal que una oportunidad para un nuevo libro se tratase. Aunque cuanto el crimen y sus consecuencias más le envuelven, descubre que los cabos sueltos le llevan directamente a su propio pasado.

Si alguna película se había puesto a parir hasta el momento era Twixt, la vuelta al fantástico de Francis Ford Coppola. Será porque pensaba encontrarme algo infumable tras todos los comentarios negativos, pero personalmente me parece una película mas que interesante. Creo que el problema es que la gente se la ha tomado en serio, y es lo peor que se puede hacer ya que se nota que Coppola se ha divertido haciendo una gamberrada. Una gamberrada eso si, con un estilo visual maravilloso, jugando con el blanco y negro y el color, con unas gotas de Poe, otras de David Lynch y un poco de Guy Maddin. Eso si, el 3-D no aporta nada (no llega ni a los 10 minutos), yo creo que ha sido una gamberrada mas de Coppola, para reírse de este formato, que cada día que pasa veo más innecesario. Lo dicho, se dicen pestes de Twixt, pero para mi es muy recomendable.



POULET AUX PRUNES: Es 1958. Un violinista iraní, el más grande de todos los tiempos, reencuentra a un antiguo amor. De regreso a casa, discute con su mujer y, para colmo, descubre que su preciado instrumento está roto. Incapaz de encontrar uno de recambio, el músico se va hundiendo poco a poco. Postrado en la cama, emprende un viaje interior hacia los porqués de su arte y de su propia personalidad. Tras el éxito de la traslación del cómic al cine de Persépolis, la dibujante Marjane Satrapi vuelve a hacer tándem fílmico con Vincent Paronnaud. Una cinta trufada de imágenes líricas y desbocadas, con un toque felliniano y Mathieu Amalric en estado de gracia.

Estaba entre mis super prioridades del festival, sin duda entre las tres primeras, ya que la anterior película de la dupla formada por Satrapi y Paronnaud, Persépolis, me pareció una (casi) obra maestra. Y por suerte la película no me ha decepcionado, al contrario, me ha encantado, con una sin fin de escenas e imágenes fascinantes y una trama entre divertida y trágica que engancha en todo momento. Contada como si fuera un cuento, con una pequeña parte de animación y muy del estilo Jeunet, Poulet aux Prunes es una fabula maravillosa. Para mi hasta ahora la mejor película que he visto en Sitges 2011. Por cierto, grande Amalric.



Mañana nos espera una jornada de pocas películas (solo dos), pero de lo mas intensa, ya que tendremos las dos películas latinas que quedan por poner, la bizarrada zombie cubana Juan de los muertos y la cinta bélica con toques de thriller El páramo, del colombiano Jaime Osorio, al cual podremos entrevistar. Así que estar atentos a los próximas horas.

miércoles, 12 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 7



Avanzamos un día más y ya nos queda poco para el cierre del festival, pero aún tendremos intensidad en los últimos días, y esperemos, mejores películas en general que hoy, un día muy, muy flojo, con presencia asiática, con la coproducción chino-hongkonesa Shaolin y la indonesia The Raid. En medio la australiana Sleeping Beauty y la francesa (en su mayoría) Carré blanc.



SHAOLIN: Estamos a principios del siglo XX. Un general irrumpe en un pueblo, que tras su paso queda devastado. Los monjes de un templo cercano observan perplejos las acciones del cruento general. Mientras, una mujer planea hacerse rica con el matrimonio entre su hijo y la hija del general. Cuando todo parece listo para que triunfe la codicia, los monjes deciden plantar cara y luchar contra los invasores. El genio del cine de acción made in Hong Kong Benny Chan nos deleita con esta joya de artes marciales con Andy Lau, Jackie Chan en un cómico cameo y auténticos monjes Shaolin haciendo piruetas imposibles.

Decepcionante, así se puede calificar Shaolin, una película con mimbres: reparto, director, coreografías, pero que al final se queda en un flojo ejercicio de situaciones mil veces vistas y una acción de tres al cuarto que no aprovecha ni los bonitos parajes ni la historia del legendario templo más que un pastiche de proporciones épicas dado su elevado presupuesto. Si tuviera que salvar algunos momentos serían los de la pelea de Jackie Chan con varios de los soldados enemigos, más por el humor que destilan que por la calidad, eso sí. Y quejarme públicamente por el (ridículo) uso de la cámara lenta, que ya cansa y aburre hasta en los momentos adecuados, y aquí utilizado de manera innecesaria (y torpe).

En definitiva, una película muy floja, aunque lo de cameo de Jackie Chan en la sinopsis ni caso, su papel es secundario, pero de cameo no tiene nada.



SLEEPING BEAUTY: Lucy combina su vida de universitaria con encuentros sexuales que le ayudan a pagar los estudios. Un día, le ofrecen trabajar como camarera en lencería fina para hombres de clase alta. Apreciada por su jefa, Lucy no tardará en conseguir una prueba como Bella Durmiente. El encargo resulta aparentemente sencillo: cada noche, Lucy tomará una pastilla, se tumbará en la cama de una misteriosa habitación y dormirá; y, sobre todo, nunca deberá saber qué ha pasado en ese rato. Apadrinada por Jane Campion, Sleeping Beauty convierte el clásico infantil en un terrorífico cuento de sexo y decorados tan lujosos como fríos.

Y llegamos al momento culminante del día con la peor, hasta el momento, aunque no parece que vaya a cambiar, película del festival, Sleeping Beauty, una propuesta con la que se podría acabar como la protagonista durmiendo del sopor y el tedio que se apoderan de uno viendo este despropósito llegado de las antípodas. ¿Qué pretende Sleeping Beauty?, pues mostrar a la protagonista en ropa interior o desnuda íntegramente y torturar al espectador en unos interminables 100 minutos en los que no sabes que has hecho para merecer lo que estás viendo. Si la hubiera dirigido un hombre podríamos hablar de cierta clase de machismo y exhibicionismo gratuito, pero habiéndolo hecho una mujer ni siquiera tenemos esa ligera excusa, lo que comporta un interrogante sobre la motivación de la directora para mostrarnos este festival del tostón más extremo. Atención a una de las escenas finales que de tan ridícula que ha sido ha provocado varias carcajadas y una sonora pitada al acabar la tortura, perdón, película.



CARRÉ BLANC: En un mundo deshumanizado, el pequeño Philippe malvive junto a su madre. Tras un intento de suicidio, entra en rehabilitación. Veinte años más tarde, Philippe se ha vuelto un ejecutivo agresivo y calculador que somete a sus empleados a toda clase de pruebas; su esposa Marie observa con desazón cómo ambos se han convertido en extraños. El destino está a punto de cambiar cuando Marie decida luchar contra el sistema para salvar su amor. Bajo su aspecto de ciencia ficción fría y con tintes tarkovskianos, Carré Blanc esconde una profunda emoción y una buena dosis de humor negro.

Precedido por el corto surcoreano A Function, una pesadilla rayana en lo gore y pesada a pesar de sus ocho minutos de duración, tocaba la coproducción entre varios países europeos, Carré Blanc, otro épico aburrimiento que no lleva a ninguna parte. Que una película de menos de hora y media te provoque tanto aburrimiento puede ser digno de estudio, aunque lo del corto coreano más aún, claro. En fin, tampoco me voy a extender mucho porque realmente no hay mucho en lo que hacerlo, unos personajes planos y ganas de darles una paliza. Al menos provoca ganas de algo.

Entre esta película y la siguiente, hemos asistido junto con Xavi, compañero de Después de 1984, al principio de la Masterclass de Bryan Singer, que pintaba muy interesante, pero a la que no nos hemos podido quedar mucho, sobre todo por cierto retraso en la comparecencia del director estadounidense y a la necesidad de llegar al pase siguiente. Pero ha sido suficiente para escuchar la anécdota de ser el primer director, en su adolescencia, en contar con un joven Ethan Hawke como intérprete.



THE RAID: Todo el mundo en Jakarta sabe que en los barrios bajos de la ciudad hay un edificio que sirve de refugio para los criminales más peligrosos de Indonesia. Algo así como una fortaleza del mal cuya leyenda crece día a día y a la que incluso la policía teme acercarse. Pese a ello, un grupo de fuerzas especiales de élite intentará derribar sus defensas y penetrar en sus entrañas. Pero la operación no sale según lo previsto, y los policías se encontrarán atrapados en el edificio, sin escapatoria posible y rodeados de asesinos y gángsters. Un adrenalínico filme que vuelve a reunir al director Gareth Evans y a la estrella de la acción Iko Uwais tras la exitosa Merantau.

Segunda película del galés Gareth Evans en Indonesia tras Merantau, y con el mismo protagonista de aquella, Iko Uwais, The Raid es un autentico ejercicio de primer nivel de acción y artes marciales. Con una historia mínima pero suficiente para llevarnos a un terreno espectacular, la película se reinventa, marcialmente hablando, a cada escena, con momentos culminantes cada poco tiempo, que han llevado a la platea al aplauso y al éxtasis más absoluto, a un paso de acabar haciendo la ola del espectáculo tan vibrante visto en la pantalla. Disfrute y acción espectacular son las señas de identidad de una película que no engaña a nadie. Como anécdota en el climax del film, un espontaneo del público ha gritado una proclama reivindicativa, "esto es cine, y no Melancolía".

Mañana tendremos una nueva crónica desde Sitges, encarando ya la recta final de la edición de 2011. Hasta mañana a todos y todas.

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 6

Sexta jornada y hoy tres películas mas, dos asiáticas, Hara-Kiri y The Yellow Sea y una norteamericana, The Woman. La valoración, un día mas, es simplemente interesante. Vamos con lo visto:



HARA-KIRI: DEATH OF A SAMURAI: El genial Takashi Miike regresa a Sitges con una película que entronca con 13 asesinos: un elegante filme de época, de acción contenida y explosiones de violencia controladas con maestría. Ichimei narra la historia de Hanshiro, un samurai que llega a la residencia de un clan con la intención de terminar con su vida llevando a cabo el ritual del harakiri. El líder del clan intenta disuadirlo contándole la trágica historia de Motome, un joven que, poco tiempo atrás, llegó a ese lugar con las mismas intenciones. Miike construye un filme en tres dimensiones que, a través de flashbacks, se adentra en el terreno del amor y de la venganza.

La nueva propuesta del inclasificable Takashi Miike, llega a Sitges tras pasar por la sección oficial del último festival de Cannes. Lo primero que me gustaría comentar es que el 3D de Hara-kiri es el más inútil e innecesario que he visto, ya que no solo no lo aprovecha ni un minuto de metraje, si no que encima provoca que las gafas molesten y oscurezcan más que nunca. Dejando este tema más técnico a un lado, la nueva película de Miike es sin duda las mas académica de su larga filmografía. Con casi dos horas a un ritmo extremadamente pausado y en el que se nos cuenta en clave flashbacks el porque los personajes principales acaban como nos muestra el principio del film. Toda esta parte es bastante cansina y poco original. Solo en los últimos 15 minutos se asoma el Miike que conocemos, aunque incluso en estos últimos minutos donde podemos ver los únicos momentos de acción de la cinta, la cosa esta bastante contenida. En fin, película con bastante poca personalidad, cosa rara viniendo del director japonés.


THE WOMAN: Christopher Cleek es un abogado y modélico padre de familia cuyas virtudes serán puestas a prueba tras su encuentro con una mujer salvaje que vive en los bosques cercanos a su casa de campo. Pese a la violenta actitud de esta, Christopher intentará “civilizarla”, arriesgando las vidas de su propia familia, que pronto descubrirá lo que se oculta tras esta mujer. Con esta brutal The Woman, Lucky Mckee y el polémico novelista Jack Ketchum quieren poner a prueba la resistencia del espectador ante el terror más extremo. Así lo expresa su director al declarar sus intenciones: “os vais a cagar de miedo”. Se puede decir más alto (y de forma más sutil) pero no más claro.

Hace 9 años llegó a Sitges la ópera prima de un director llamado Lucky McKee, la película en cuestión se llamaba May, y se puso al público en el bolsillo. Ahora, después de estos 9 años y un par de fallidas cintas en su haber, McKee vuelve para intentar levantar cabeza y volver a hermanarse con el público, y opinión personal a parte, parece que lo ha conseguido ya que The Woman ha sido una de las películas más aplaudidas y mejor valoradas por el público, o eso al menos se huele en el ambiente. Personalmente me parece una gamberrada interesantes, con una primera parte bastante flojita (demasiado común por el momento en el festival de este año), pero con unos últimos 20-25 minutos demenciales y muy divertidos, con alguna escena sorprendente y enfermiza por momentos, sobre todo cuando el personaje de Christopher pierde completamente el raciocinio.



THE YELLOW SEA: En la frontera entre las dos Coreas y Rusia, la mitad de la población vive de actividades ilegales. Un taxista lleva tiempo sin ver a su mujer, que se ha ido a Corea del Sur en busca de una vida mejor. La única solución pasa por aceptar un trato que le han propuesto: lo ayudarán a cruzar la frontera a cambio de que cometa un asesinato. Na Hong-jin, director de The Chaser, regresa con un thriller de acción sin tregua y discurso social, a la manera del mejor Michael Mann. Un filme oscuro y de secuencias espectaculares que actualiza el cine negro y que arrastra al espectador por los derroteros de la alta tensión.

Segunda película del director Na Hong-jin, triunfante con su ópera prima The Chaser, The Yellow Sea es una correcta pero artificiosa propuesta del subgenero del thriller coreano, tan en boga en los últimos tiempos gracias a obras de gran calado como Oldboy y coetáneas. Con una duración quizás extrema, 140 minutos, eso a pesar de que la versión coreana dura 19 minutos más, que convierte la película en excesiva, no deja de tener sus puntos de interés, gracias a una cuidada coreografía de acción. Una de las decepciones más grandes de la película se encuentra en el recuerdo de la anterior, algo mejor que esta y que hacía tener unas esperanzas grandes. Uno de los platos fuertes, además de las escenas de violencia es su ambientación, solo al principio, en una zona de China, de mayoría coreana, no explotada cinematográficamente. Lamentablemente la acción se traslada enseguida a Corea y se pierde ese elemento diferenciador que añadia un toque diferente. Al final la sensación que queda, a pesar de su gráfica violencia, es de cierta moralina y moraleja final que no añade más que confusión sobre lo que hemos visto. Algo por otra parte más común de lo que parece en el cine de hoy en día.



Y maña en teoría empezamos con Shaolin, seguimos con Sleeping Beauty y acabamos con The Raid. Quizás se pueda añadir algo mas, o hay algún cambio de última hora. Así se afronta el festival, predispuesto a los cambios continuos. Hasta mañana!!!

martes, 11 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 5

Quinto día de festival y eso significa que hemos llegado al ecuador. Ya solo quedan otros 5 días más, pero preferimos seguir disfrutando y no pensar aún en el final. Hoy ha sido un día irregular, con dos propuestas interesantes, la marroquí Mirages y la primera latina del festival, esta extraña película que es la brasileña Trabalhar Cansa, y una gran decepción, la china The Sorcerer and the White Snake, con el reconocido Jet Li. Aquí va lo crónica de hoy:



MIRAGES: Las entrevistas de trabajo no son lo que eran. Sino, que se lo pregunten a cinco individuos, de carácter absolutamente dispar, que se encuentran en un despacho a punto de someterse a la entrevista más radical de sus vidas. Sin teléfonos móviles y ataviados con traje, los cinco emprenden un viaje en camión. Tras un extraño accidente, despiertan en medio de un desierto. ¿Acaso todo eso forma parte de la carrera para conseguir el empleo? ¿Cómo reaccionará cada uno de ellos? El debutante Talal Selhami plantea una película de cámara nerviosa y violencia in crescendo.

Al leer en el avance de la programación de Sitges que había una película africana enseguida me la puse como prioridad, pero después de leer la sinopsis aún me dieron mas ganas de verla. Hoy, tras su visionado, puedo decir que vale la pena, y no porque me haya parecido una gran película, pero si que esta llena de pequeños grandes momentos y de unos personajes carismáticos. Esta claro que es una película que creo tiene escenas algo inverosímiles e incluso algunas donde se nota un poco la falta de medios, pero creo que el director demuestra talento a la hora de planificar las escenas y tiene momentos de lo mas interesantes.



THE SORCERER AND THE WHITE SNAKE: Mientras viajaba por las montañas, el joven Xu Xian cayó accidentalmente al lago. Por suerte (o por desgracia), encarnada en una bella mujer, la Serpiente Blanca lo salvó. Apasionada por Xu Xian, esta no tardará en infiltrarse en el mundo de los humanos y casarse con él. Por suerte (esta vez sí), el mago Fa Hai hará lo posible para deshacer el hechizo que tiene a Xu Xian atrapado. “No creas todo lo que ven tus ojos”, dice uno de los protagonistas. Lo que verán aquellos que se adentren en The Sorcerer and the White Snake es un desfile de espectaculares efectos especiales con un Jet Li en pleno apogeo y una historia de épica sin parangón.

Una de las películas más flojas vistas hasta el momento en el festival. La nueva producción china de Jet Li, es una peligrosa muestra de géneros, entre el wuxia fantástico, budismo y amor intenso y todo aderezado con un poco de sentido del humor Made in Asia. Y tal mezcla lo único que le lleva es a una indefinición brutal y queda en resultado de lo mas flojo. Al igual que pasa con Verbo, hay escenas de vergüenza ajena, momento en los que te ríes por no llorar y las partes de la relación romántica están demasiado azucaradas, parecen de telenovela. Aún así se salvan los buenos efectos especiales y un poco de las luchas. Flojita, flojita.



TRABALHAR CANSA: Todo lo que comienza mal acaba bien. Y viceversa. Helena acaba de cumplir un sueño: abrir su primer negocio, un colmado. Su trabajo en la tienda hará que decida contratar a Paula, una asistenta que cuidará de su casa y de su hija. Las cosas se complicarán cuando a su marido, que ha perdido su empleo, le cueste horrores encontrar un nuevo trabajo; y cuando Helena vea que uno de los muros del edificio se está desmoronando. Una de las sensaciones del pasado festival de Cannes, Trabalhar cansa parte de lo cotidiano para terminar en un sugerente malrollismo digno del mismísimo Cronenberg.

Por fin la primera película latina del festival y el resultado, para seguir la tónica del día, ha sido simplemente interesante. Una historia con algún toque original, que suelta algún momento de irrealidad y se queda tan ancha, si explicar como ni porque, pero eso le da una dosis de intriga. Película a ratos intimista, con un ritmo pausado y a ratos divertida con los comentados toques surrealistas. Una buena ópera prima del duo brasileño formado por Marco Dutra y Juliana Rojas.



Para mañana tenemos triple sesión, John verá (yo la he visto hoy) y nos hablará de la coreana The Yellow Sea, y yo por mi parte me acercaré a ver Harakiri de Miike y The Woman de Lucky McKee. Hasta mañana!!

domingo, 9 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 4

Hoy hemos tenido la cuarta jornada del Festival de Sitges 2011, y el nivel ha sido claramente bajo en nuestras elecciones diarias



LES CONTES DE LA NUIT: El director y animador Michel Ocelot afirma que “con el paso del tiempo he descubierto algo agradable: soy un mago. Tengo dos poderes: el de producir belleza y el de crear seres y hechos que no existen y que nos hacen viajar a través de distintos universos, como en una alfombra voladora”. De este deseo irrefrenable por crear nace Les contes de la nuit, la historia de dos jóvenes y un anciano que se reúnen cada noche en un pequeño cine para inventar maravillosas historias. Les contes de la nuit juega con las dos dimensiones y con el 3D, con la oscuridad y con los colores intensos, permitiéndonos revivir el placer de un buen cuento.

Película de animación donde encontramos seis historias cortas, seis cuentos infantiles llevados a la pantalla, en 3D, por el reputado animador francés Michel Ocelot. Partiendo de que personalmente no me suelen gustar las películas de varias historias independientes, este Les Contes de la Nuit es medianamente interesante, aunque como siempre adolece del problema de este tipo de propuesta, hay cuentas mas interesantes que otros, por eso su irregularidad es su gran problema. En el tema de animación encuentro muy interesantes el hecho de que todos los personajes sean completamente negros, ropa incluida, como si fueran sombras. En definitiva, interesantes pero muy irregular. Eso si, la banda sonora es preciosa.



VERBO: Sara, una chica del extrarradio pequeña y perdida, es una adolescente que no comprende el mundo en el que vive. Solo Líriko, un misterioso personaje que comunica enigmáticos mensajes, parece entenderla. Su búsqueda la arrastrará a un lugar secreto, a una gran aventura a vida o muerte que muy pocos superan. Esperada puesta en largo de uno de los directores de cortos más brillantes (y premiados) del territorio español, Verbo resulta una película sorprendente, en la que las palabras riman a ritmo de hip hop. Eduardo Chapero-Jackson debuta al fin, y lo hace con un filme destinado a ocupar un lugar privilegiado.

Cuando finalizas el visionado de Verbo te quedas hecho un lio, con una sensación de no saber bien si lo que acabas de ver es una obra original, innovadora, fascinante, o por el contrario un disparate pretencioso, ridículo y con escenas de vergüenza ajena. Supongo que la respuesta es un poco de las dos, por un lado tiene partes en las que roza el patetismo, con diálogos rozando el ridículo, pero luego te vas encontrando cosas muy originales, con un acabado técnico notable y buenas dosis de talento. Pero pensando fríamente en ella, quizás hay mas en la balanza del lado negativo que positivo, o al menos si que se puede considerar una propuesta fallida.

Añado a la crítica de Daniel mi visión de la película, bastante coincidente en general aunque a mi me ha parecido incluso peor, con un tono panfletario fuera de contexto y claramente aleccionador que no aporta nada más que tedio y sopor. En definitiva pretenciosa y con una gran dosis de tópicos que sepultan las (pocas) ideas interesantes que asoman en la película, y es que quizás, la historia no daba más que para un corto y no convertirse en un folletín de las ideas que circulan por ella.



LE PETIT POUCET: Pulgarcito y sus cuatro hermanos son abandonados en el bosque por sus padres, que ya no se pueden hacer cargo de ellos. Asustados, se adentran en el bosque y van a parar a un caserón. La dueña los avisa: mejor perderse en el bosque que entrar en ese lugar, pues allí habita también un ogro que los podría devorar. Marina de Van lo tenía muy claro: cuando vio la posibilidad de adaptar “Pulgarcito”, supo que lo que quería era ahondar en el terror del relato de Perrault. Cineasta extrema (Dans ma peau es un hito del terror de autor, de la nueva carne à la francesa), su aproximación a este relato clásico rebosa épica y violencia.

Nueva adaptación de Pulgarcito, pero esta vez bajo el cine de terror. La película es bastante mala, con una factura técnica rozando el telefilme y unas interpretaciones bastante flojas. Una lastima que con una oportunidad de llevar un cuento como el de Pulgarcito al terreno del terror puro, nos encontremos mas con una película que parece hecha para niños adolescentes, ya que el terror es muy suave y visualmente es bastante limitada. Una gran decepción ya que me esperaba bastante de la nueva película de Marina de Van.



Para terminar añado a la crítica que realizó Daniel el otro día de Attack the Block su alejamiento de varios tópicos de este tipo de cine, y que es una sorpresa agradable observar que aún se pueden hacer películas con ciertos toques especiales que te dejan con una sonrisa y un buen sabor de boca. Eso y el diálogo sobre el novio de Sam, entre ésta y Pest, un autentico misil politicamente incorrecto de los que duelen.

Mañana tendremos una nueva crónica de de Sitges por medio de Daniel con propuestas como la esperada producción coreana The Yellow Sea o la brasileña Trabalhar cansa. Esperamos con ganas sus reseñas.

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 3

Tercer día en Sitges y 3 nuevas películas vistas. Por un lado hemos empezado con un drama de época, Jane Eyre, hemos seguido con un terror post apocalíptico, Hell y para acabar una gamberrada holandesa, Saint. Sin mas vueltas aquí dejamos las opiniones de lo visto hoy, y ya sabéis, mañana mucho más.



JANE EYRE: De la mano del texto de Charlotte Brönte y de la cámara de Cary Joji Fukunaga, Jane Eyre nos traslada a la Inglaterra del siglo XIX, donde, tras una infancia difícil, la joven Jane se instala en la mansión del señor Rochester para trabajar como criada. La relación de la chica con el dueño de la casa se convierte en el motor de una película de corazón romántico y de atmósfera fantástica. Desde el encuentro con un joven bondadoso que prestará su ayuda a Jane, a sus enfrentamientos con la familia con la que se crió, Jane Eyre nos narra el trayecto vital de su heroína a través de saltos temporales. Un clásico de clásicos para un reparto de lujo. Una película con sentido y sensibilidad.

Nueva adaptación de la novela homónima de Charlotte Brontè publicada en 1847, Jane Eyre, esta vez a cargo del director californiano Cary Joji Fukunaga, que hace un par de años nos presento la notable Sin nombre. Lo primero que se te pasa por la cabeza tras finalizar la película son dos cosas, primero que hace en un festival como Sitges, porque esta película no tiene nada de fantástico, es mas de Cannes, Venecia o San Sebastián que no de Sitges y segundo, que la película es Jane Eyre, una adaptación de un clásico de la literatura muy reconocido, con todo lo bueno y malo que ello implica. Esto último significa que por un lado es una adaptación técnicamente y interpretativamente excelente, pero por otra es un drama potente con un ritmo muy particular. Y por eso lo del primer punto, no es una película del estilo Sitges, donde se aplaude más la explosión de una cabeza que una propuesta más seria, y no porque no se valore más, simplemente porque a Sitges vas a ver otra cosa. Pero aunque no me parezca apropiada para el festival, si quiero dejar claro que es una muy buena adaptación y una película muy recomendable.



HELL: Todos hemos experimentado el fastidio de abrir el grifo y que no caiga ni una sola gota de agua. Cojamos esa sensación y alarguémosla en el tiempo durante horas, días, semanas, meses... años. Marie, su novio Philip y su hermana Leonie son tres supervivientes en un mundo seco, que deciden dirigirse a las montañas tras la promesa de que allí podrán encontrar agua. En su camino encontrarán a Tom, un mecánico tan diestro como taciturno, que disparará la desconfianza y la tensión en el seno del grupo. Roland Emmerich apadrina este thriller post-apocalíptico, cuyas imágenes anuncian la barbarie de una sociedad que únicamente cree en la supervivencia.

Película alemana dirigida por Tim Fehlbaum (muy simpático en la presentación de la película y al final del pase, fotografiándose y saludando a todo el que quisiera). Hell es una mezcla entre road movie post apocalíptica, al estilo The Road, con el terror más sucio al estilo La matanza de Texas, ya que una parte de la historia los personajes se dedican a sobrevivir del sol y del intento de robos de otros supervivientes y la segunda parte es intentando sobrevivir de unos pueblerinos locos y caníbales. Por desgracia la película es mas de lo mismo, no aporta nada nuevo al género y se ve con desidia. Aún así, algún que otro momento interesante la salvan de caer en el más puro olvido.



SAINT: En los últimos tiempos, los países nórdicos parecen dispuestos a desmitificar una época tan excesivamente edulcorada como es la navidad. La finlandesa Rare Exports –mejor película en Sitges 2010– ya dio prueba de ello. Ahora nos llega Sint, un regalo envuelto con papel de película de terror adolescente y con un protagonista de excepción: San Nicolás, el antecesor de Papá Noel. Este ser aparentemente entrañable mostrará su cara más oculta, su vertiente más sangrienta. Este año, las navidades vuelven a adelantarse, como una sorpresa, como un buen susto que hará las delicias de los amantes del género.

Dirigida por el mítico Dick Maas (El ascensor, Los Flodder o Amsterdamned) nos llega desde los Países Bajos una simpática, aunque en muchos momentos limitada, historia de terror con muchos toques de gore y comedia. Con unos actores de los mas limitados y faltos de carisma, salvando al también mítico Huub Stapel (más por quien es que por su interpretación), la película tiene toda su gracia en unos cutres efectos visuales, muy al estilo Posesión infernal (aunque con momentos más brillantes como cuando San Nicolás sobre su caballo recorre los tejados de la ciudad de Amsterdam). Bastante floja cinematográficamente hablando pero que se ve con simpatía.


sábado, 8 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 2



Segundo día en Sitges y por segundo día consecutivo nos vimos cinco películas, dos asiáticas, The Unjust y Guilty of Romance, dos europeas, Lobos de Arga y The Divide y la estadounidense Contagion. El balance vuelve a ser positivo aunque con niveles diferentes. Aquí van nuestras opiniones de lo visto en esta segunda jornada:



THE UNJUST: Un asesino en serie aficionado a matar y descuartizar colegialas aterroriza Corea del Sur. La policía pone todo su empeño en capturarlo pero, justo cuando parecían haber encontrado a un sospechoso, este muere en un tiroteo. Faltos de pruebas que lo inculpen, los altos mandos deciden buscar a la desesperada un cabeza de turco al que cargarle los muertos. Cheol-Gi acepta la responsabilidad con la esperanza de que esto le sirva para promocionarse dentro del cuerpo, iniciando una investigación con métodos poco ortodoxos en la que se asociará con el gángster Jang Suk-Gu. Y esto es solo el principio de un thriller enrevesado y trepidante, teñido de corrupción y espíritu crítico.

La nueva película del director surcoreano Ryoo Seung-wan, reconocido internacionalmente por sus anteriores Arahan (2004) o Crying Fist (2005), llega al festival con un muy buen thriller de acción donde a un policia, con métodos bastante particulares, le encargan encontrar a un asesino que esta aterrorizando a todo el país, aunque lo interesante es que no tiene que buscar al asesino si no a un "actor" que lo interprete de cara a la sociedad. Tras esta original trama, se esconde una película de corrupción, enfrentamientos internos y demasiadas ganas de ascender en el mundo del crimen organizado. Estamos ante un filme, aunque algo irregular ya que tiene momentos de una calidad altísima, con momentos y escenas que te dejan alucinado, pero también momentos que parecen algo alargados innecesariamente y donde la película sufre pequeños bajones. Aún así al final la propuesta resulta mas que satisfactoria, encontrándonos al menos con un thriller coreano algo alejado de los tópicos de los últimos años.



GUILTY OF ROMANCE: Izumi es la esposa de un exitoso escritor. Su día a día pasa por una anodina rutina y por una relación sin pasión. Un día, Izumi comienza a trabajar en un supermercado vendiendo salchichas; otro, termina involucrándose en una película pornográfica; y finalmente, comienza a ejercer de prostituta. Mientras ella se sumerge en una espiral de sexualidad irrefrenable, un cadáver aparece en el barrio de los hoteles del amor. Sion Sono, el más radical de los cineastas nipones contemporáneos, vuelve con esta cinta de sexo desatado e intriga. Un carrusel de colores y calores; un viaje sin frenos y a toda velocidad.

Enfermiza, esta es la palabra que se le viene a uno a la mente después de ver la nueva película de inclasificable director japonés Sion Sono. Enfermiza te haya gustado o no, por el tema del que trata y por como lo trata. En ella podemos ver la decadencia y la bajada a los infiernos de una mujer casada con un poeta de éxito pero que no esta sexualmente contenta. La película tiene el merito de conseguir lo que se propone que es generar un mal rollo insano y dejar tocado al espectador. Su primera hora incide en la parte sexual de la protagonista, con algunas escenas graciosas pero bastante suave, pero a media película empiza la bajada a los infiernos, con momentos verdaderamente fuertes, ya no tanto en nivel visual si no psicológico. Es de esas películas que no dejan indiferente a nadie, o te encanta o te rechaza y yo he sido de los últimos.



THE DIVIDE: Una lluvia de misiles desata el pánico en la ciudad de Nueva York, llevando a los habitantes de la Gran Manzana a tomar medidas desesperadas para sobrevivir a un horror que parece anunciar el fin del mundo. Un pequeño grupo de supervivientes se encierra en un búnker a la espera de que todo termine y alguien venga a rescatarlos. Bajo estas condiciones extremas, los roces entre ellos no tardarán en hacerse cada vez más sangrantes, conduciendo a una escalada de tensión que se agravará cuando la ayuda que esperaban del exterior se torne en una amenaza. “El infierno son los demás”, dijo una vez Jean-Paul Sartre, y The Divide parece darle la razón.

La nueva película del director francés Xavier Gens, que ya deslumbro con su ópera prima Frontiere(s) (2007), es una mezcla de géneros entre la ciencia ficción y el thriller psicológico. Rodado en un mismo espacio en solo una semana, The Divide es un interesante ejercicio de observación de como se va degradando la mente humana cuando se llega a limites insospechados de desesperación. Xavier Gens le vuelve a dar a su película ese toque estéticamente sucio que ya se vio en su ópera prima. Aunque la película esta innecesariamente alargada en algunas partes, sus primeros minutos y sobre todo su espectacular final te dejan un buen sabor de boca. Por último destacar el buen hacer en general de todo su reparto, con el mítico Michael Biehn a la cabeza.



LOBOS DE ARGA: 1910, en Arga, un pequeño pueblo de Galicia, una terrible maldición cae sobre la malvada marquesa de Mariño y su hijo, convirtiéndole en hombre lobo en su décimo cumpleaños. Cien años después, Tomás, un escritor fracasado y último descendiente varón de los Mariño, regresa al pueblo convencido de que van a nombrarle hijo adoptivo. ¡Craso error! En realidad, los vecinos piensan sacrificarle para acabar con el reinado de terror del hombre lobo. De no llevarse a cabo el sacrificio, caerá sobre Arga una maldición de consecuencias terribles… y desternillantes.

Una sorpresa muy agradable esta comedia de factura gallega. Tomando como punto de partida el imaginario, precisamente gallego, nos a dentra en una historia deudora de las comedias paródicas estadounidenses pero con las claras connotaciones hispanas que conlleva al estar realizada en España, y es que quizás no estemos acostumbrados a ver este tipo de películas facturadas en nuestro país y eso levante ciertos prejuicios hacia este tipo de propuestas. Una de las principales bazas de la película son sus diálogos, basculantes entre ingeniosos y mordaces, sin escatimar tampoco en sangre e incluso acción en una recta final desenfrenada, pero quizás un poco larga. En la parte ténica ningún repoche y en las actuaciones tampoco, pese a algún actor más flojo que los demás, pero que se supera por las líneas de diálogo marcadas, que salvan las situaciones más flojas. Al fin y en definitiva una propuesta más que aceptable y que merece un visionado.



CONTAGION: Piensen en su día a día: cuando pasan la tarjeta de crédito a un camarero, cuando se dan la mano en una reunión de trabajo o cuando ven a alguien estornudar en el bus. Un instante, y el contagio ya se ha producido. De regreso de un viaje de negocios en Hong Kong, Beth ve como el inofensivo resfriado que tenía se convierte en algo mucho más serio. Pronto, más casos como el de Beth comienzan a salir a la luz por todo el planeta: la pandemia es una realidad, la alarma se desata. Steven Soderbergh ha querido emular al George Clooney de Ocean’s Eleven y ya tiene a sus Seis: Cotillard, Damon, Law, Paltrow, Fishburne, Winslet. Hablar de alineación de lujo, sería quedarnos cortos.

Un virus mortal según Steven Soderbergh, así se podría calificar este último trabajo del ecléctico y cambiante director estadounidense. Contagion no es una mala película, no puede ser catalogada como tal en general, pero tampoco podría considerarse una gran película. Demasiado fría, demasiado diseñada y demasiado diseminada. Una pleyade de estrellas internacionales puebla el film pero eso, que podría ser una garantia de éxito se convierte en un handicap, desde el momento en que el director, claramente, no sabe que hacer con tanto personaje en el metraje del que dispone. Eso sí, la película está bien dirigida, bien interpretada y, sobre todo, bien montada, pero da una sensación de producto vacio que uno se queda con la duda de si lo que has visto necesitaría más metraje o, incluso, menos. Pero ese es uno de los grandes problemas de Soderbergh, su tendencia a la autocomplacencia que puede llegar, aunque este no es el caso, a enervar al espectador.

Bueno, esto ha sido todo lo visto en este segundo día, para hoy tenemos la nueva versión de Jane Eyre, la alemana Hell, la nueva y friki propuesta de Dick Maas, Saint y la película hongkonesa en 3D Sex and Zen, cuarta parte de la saga, aunque posible reboot.

viernes, 7 de octubre de 2011

Estrenos: Nader y Simin, una separación y Son of Babylon

Hoy se han estrenado en España dos películas asiáticas, en este caso procedentes de Oriente Medio, la iraní Nader y Simin, una separación, que distribuye Golem y la iraquí, en coproducción con varios países europeos, Son of Babylon, que distribuye A contracorriente Films.



Nader y Simin son un matrimonio que, junto a su hija Termeh, deciden abandonar Iran en busca de una vida mejor. Cuando todo está casi preparado, sin embargo, él se echa atrás por temor a abandonar a su padre, a quien le han diagnosticado Alzheimer. Ella, disgustada, decide pedir el divorcio y, al no serle concedido, se muda a vivir con sus padres. Las cosas se complicarán cuando Nader, quien se queda con la niña, decida contratar a una mujer para ayudarle con el cuidado de su padre. Un buen día, al llegar a casa, se encontrará al anciano atado a la mesa y, a partir de ahí, todo dará un vuelco en su vida y en la de la pequeña Termeh.





En “Son of Babylon” conocemos a Ahmed, un niño kurdo de 12 años que recorre las carreteras del norte de Iraq con su abuela. Ambos buscan al padre del niño, un soldado arrestado por la Guardia Republicana de Saddam al final de la Guerra del Golfo. En su búsqueda se cruzan con otras personas en la misma situación; todos viajan en busca de alguien, de una nueva vida y de un futuro.